Представляющая Армению молодая актриса Нарине Григорян известна нашим театралам не только многоплановыми и яркими образами, воплощенными ею на различных сценических площадках, но и режиссерскими работами. Предварительно отобранный московской комиссией спектакль предоставляет возможность еще раз убедиться не только в бесконечном обаянии актрисы, но в безграничном полете режиссерской фантазии, которую она проявила в постановке спектакля «Полет над городом» по пьесе Ануш Аслибекян. Спектакль запоминается интересной постановочной структурой, многочисленными экспериментами. Это история слепой девушки, разуверяющий жизненный опыт и глубокие переживания которой устремляют ее не вниз, а вверх – к полету, к свету. Н. Григорян в роли слепой девушки подробно-убедительна, она тонко балансирует на хрупкой грани реального и ирреального миров. В первом действии сценические решения были продиктованы границами мировосприятия слепого человека – зритель воочию видел то, что происходит в душе героини. События происходят на фоне черного фона-полотна, который  «работает» многопланово и четко функционально. С помощью разноцветных веревок героиня «рисует» на этом заднике свой дом, который, будучи разрушен, рождается вновь благодаря силе ее чувств и игре воображения. В легкой, воздушной пластике Н. Григорян-исполнительницы скрывается большая душевная боль, которая, внезапно проснувшись в ее сознании, рождает конфликт между сном и явью.  Сама словно прилипнув к черному заднику, актриса начинает медленное движение, и прозаические носки ее вдруг на глазах зрителя превращаются в плывущих в открытом море рыбок. Движения усиливаются, вместе с ними усиливается звук бьющихся друг об друга волн, и вот уже героиня парит, плывет по волнам являющейся ей в снах свободы. Особенно интересна сцена, в которой актриса в пластическом решении изображает кипящую воду. Далее следуюет ряд режиссерских экспериментов – от сцены в зрительный зал распространяется то запах свежего лимона, то аромат цветов, и это удивительным образом действует на зрительское подсознание.

В первом действии мы лишь слышим голос Доктора (Сергей Товмасян), во втором акте он появляется на сцене. Актер, который привлекает своим спокойствием, неспешными движениями, внутренней сдержанностью, убедительным исполнением  эмоциональных и даже драматических мигов  жизни своего героя. Его Доктор полон веры, но после операции и его встреч с девушкой, словно что-то сломалось в его мире. Чувство одиночества ощущается в том безразличии, с какой он, не меняя мимики, ест лимон, словно намекая на свою лимонно-кислую жизнь. В какой-то миг кажется, что чаша весов уравнивает рожденные реальностью горькие переживания  двух героев. И режиссер прибегает к ряду визуальных приемов – в одном случае это простое переодевание, в другом – самый настоящий полет по-над городом, достойный кисти Шагала.

Шекспировские страсти… На сей раз – Ричард III, персонаж, который вот уже в который раз появляется, чтобы предложить плцарства за коня. Свое видение великой пьесы великого драматурга предлагает молодой режиссер из Молдовы Вячеслав Чеботарь. В свою игру режиссер включает все здание театра. С самого начала ясно, что в сценическое действо будут вовлечены зрительный зал и балконы, актеры будут действовать на территории, «захваченной» у публики. Размещенному на сцене и так и не сориентировавшемуся зрителю предлагается спектакль, сплетенный из многочисленных клубков нитей человеческих чувств и отношений. Следя за ходом действия, понимаешь, основа режиссерского решения – человек в окружающей его среде. Каждый обыгрываемый здесь предмет обретает определенный смысл в деле раскрытия внутреннего мира героя. Тележка, на которой перевозят безумного Ричарда – сцены, в которых подчеркнуты болезненность и немощь персонажа и, кажется, обозначена та четкая граница, которая разделяет физически ущербного Ричарда от остальных персонажей. Именно физическая ущербность словно становится главным импульсом ричардовой борьбы. Злобность, порожденная уродством и зовущая в бой.

В одной из кульминационных сцен закутавшийся в плащ и забившийся в угол Ричард рыдает, словно терзаемый муками совести, и укрепляя таким образом возникшее к нему сострадание.  В этом человеке еще не умерло стремление к любви и счастью. Он способен шутить, радоваться, в своих контактах с окружающими он порой обретает облик почти что шутовской. Режиссер продуктивно использует  постранство, строит мизансцены в самых неожиданных местах, не давая остыть зрительскому интересу.

В ложах периодически возникают три странных существа в черных плащах и белых масках смерти. Они воспринимаются то, как слепые орудия ричардовой воли, то, как alter ego короля, и Ричард с их помощью  обретает силу, становится почти идеальным героем. Финальным аккордом кровавых деяний этих персонажей звучит звук какой-то струящейся жидкости, который, благодаря реакции Ричарда, метаморфизируется в прекрасно найденную режиссером деталь.

Интересным  мышлением и решениями запомнился и молодой режиссер из Латвии Карлис Круминьш. Странник, бредущий дорогами своей жизни, пришедший к философскому осмыслению пережитого. Действие, обращенное к этой теме, развивается вокруг черного пространства, на котором трое молодых актеров мелом иллюстрируют события повествования или в качестве действующих лиц-музыкантов рассказывают историю пилигрима. Музыка здесь становится отдельным персонажем – она входит  в контакт с героем, соглашается, спорит, раздражается, двигает динамику сюжета. Ее энергия словно толкает к катарсису, вскравает все затаенные, скрытые чувства героя. Сам выбор темы и попытка вовлечь в нее зрителя актуальна, как никогда. Ведь публика чувствует необходимость в этой упорной вере в духовные ценности, в этой решительности, моральной крепости. Кажется, не важно, куда идет герой - важны его поиск, его решения, его  выбор.

Режиссер строит метафору на контрасте цвета. Есть какое-то противоборство между чернотой сцены и историей, рождающейся в рисунках белым мелом – вечное противоборство между жизнью и смертью. То же в костюмах - синяя рубашка главного героя не просто контрастирует с черными одеждами остальных персонажей. В одной сцене герой словно становится одной из нарисованных мелом рыбок и пускается в плавание по бесконечному океану жизни, в  другой синий цвет символизирует его оптимизм и веру. Музыкальные паузы, другие режиссерские находки свидетельствуют о том, что Круминьшу удалось облечь сложную тему в легкие формы, найти ту тонкую грань, где форма и содержание гармонично сливаются. Ну, а одно из главных достоинств «Пилигрима» восходило к тезису «все жанры хороши, кроме скучного» - зритель был наэлектризован в ожидании очередного сценического сюрприза. От занятых в спектакле актеров можно ждать большого успеха в постановках, требующих импровизационного начала. Они находчивы, смелы и раскованы, с удивительной точностью работают на небольшом пространстве камерной сцены.

Театр одного актера – непосредственный диалог между исполнителем и зрителем. В этом формате актер получает возможность показать все свое мастерство, и подобное «безумство храбрых» порой становится судьбоносным для всей его последующей творческой судьбы. Мастер кыргызской сцены Турганбубу Бообекова рассказала нам историю одинокой женщины, так и не нашедшей своего  счастья. Следует отметить, что именно в моноспектакле тяжесть режиссерской работы достигает своего апогея. Все свое воображение, всю партитуру приходится строить вокруг одного–единственного человека, ограничиваясь тесными рамками камерного пространства и обозначенной эстетикой формата. Молодому режиссеруШамилю Дыйканбаеву /Кыргызстан/ удалось найти тончайшие приемы, через которые раскрывается мир страдающей женщины. На сцене какой-то ветхий деревянный барак, двери и окна которого героиня раскрывает и закрывает, словно главы своей жизни. Актриса рисует чувства своей героини, ее тревоги и печаль по неслучившемуся прошлому и беспросветному будущему яркими, полными нюансов красками. В сценах, где она рассказывает о своей молодости, ее глаза загораются лукавым огнем, тело обретает девичью живость, из волос непонятным образом исчезает седина, и сцена напоняется почти юношеской безмятежной радостью. В качестве безмолвного собеседника героини на сцене живет кошка. Вернее, не кошка, а какая-то странная игрушка из семейства кошачьих. Ее присутствие позволяет раскрыть внутренний мир героини. Лейтмотивом роли, словно, беспрестанно звучит молчаливый крик – «Люди, я несчастна!», которому даже в пиковые моменты актриса не дает вырваться наружу. Все актерское мастерство актрисы направленно на то, чтобы финальное «Надо жить!» прозвучало не просто органично, но убедительно. Впрочем, этих хресоматийных слов она так же не произносит. Женщина вытирает слезы, берет на руки свою кошку и уверенными шагами направляется на кухню наслаждаться чаем с вареньем – за нее уже можно не беспокоиться. Здесь следует особо сказать о паузах. Через них актрисе удалось донести до наешго сердца  множество невысказанных слов.  Видна большая работа режиссера, четко поставленные задачи которого, навреняка, облегчили актрисе работу. Вообще, интересен диалог между маститой актрисой старой школы и молодого, полного стремлений к экспериментам режиссера.

Спектакль «Офис» режиссера из Беларуси Екатерины Аверковой, на первый взгляд показавшийся слишком уж локальной историей, обернулся актуальнейшим разговором об однообразной, рутинной до заболоченности, приближающейся к работе механизма жизни «офисного планктона».  Жизни, в которой, как домоклов меч, над головой висит «звонок сверху». Конкуренция, стремление обогнать друг друга, страхи, стрессы. Компьютеры и расчеты, в плотном кольце которых  герои мечутся  по горло загруженные работой. Под дресс-кодом и сдержанностью в их взглядах скрытии дикие страсти и звериные инстинкты. Некоторые мизансцены решены посредством синхронизированных танцев этих людей-роботов, и актеры поражают своей пластикой, словно смоделированной тем же компьютером. Глядя на них, кажется, что это единый механизм, одинаково мыслящий и действующий. Люди, не находящие в себе мужества сбросить с плеч тяжесть этих невыносимо одинаковых дней и расправить спину, могут лишь робко мечтать – об ином мире, где они свободны.

Спектакль Видаса Барейкиса из Литвы обращен к проблемам сегодняшнего театра. Актеры вместе с публикой пытаются анализиовать ряд фактов. Яркой режиссерской находкой воспринимается возмущенный протест одного из зрителей, который предъявляет к нынешнему театру резонные претензии  и требования. Неожиданностью оказалось и «телефонное анкетирование» – актеры прямо со сцены набирали случайный номер и спрашивали у малость оторопевшего абоннета о месте  и значении театра в его жизни. Ответы то обнадеживали, то свидетельствовали о молдавском чувстве юмора. В любом случае, молодому режиссеру удалось заразить зрителя своим беспокойством и тревогой за судьбу театра. По ходу действа на сцене разыгрывались отрывки из спектаклей различных жанров и стилей. Зритель видит множество различных личин, которые надевают на себя актеры. Он видит и актеров «без лица» - потеряно блуждающих по сцене. Вот такой вот аналитический взгляд на все «ингредиенты» сегодняшнего театра можно увидеть в спектакле молодого литовского режиссера.

С поставновкой пьесы «Урод» современного немецкого драматурга    Мариуса фон Майенбурга приехал на форум режиссер из Грузии Давид Тавадзе. Спектакль, лейтмотивом которого стали противоречия человека с его собственным «я», проблемы самооценки и взаимоотношений с окружающим миром. Главной удачей спектакля стали актерские работы. Режиссер сделал упор на взаимоотношениях – каждая минута, каждая ситуация здесь, словно, самая главная. Стол и стулья – вот и весь подручный материал, из которого Давид Тавадзе строит свои главные мизансцены. Белый нимб, неожиданно появившийся над головой главного героя после пластической операции и подчеркивающий его преображение; сценические костюмы, представленные в виде физического строения человека, словно призваны  завершить и придать символический смысл режиссерским находкам и фантазии.

Неожиданное прочтение народной сказки открыло удивительное, самостильное мышление Марфы Горвиц (Россия), которая привезла в Кишинев спектакль «Бесстрашный барин». Спектакль, где из приключений  героя-смельчака рождаются комичесике ситуации и юмористические, гротескные решения. Безграничная фантазия режиссера рождает сцены, в которых реальность и ирреальность сливаются воедино, а актерам что и кого только не приходится изображать! Сцена оформлена просто и лаконично. Одно быстрое ритмичное движение – и вот уже артисты преобразились из родственников главного героя в пришельцев из загробного мира. Здесь обретает значение каждая деталь, работает каждая мелочь - от деревянной посуды до веревки, зажатой в гордо поднятой  руке самоубийцы. Действие происходит параллельно на двух планах, причем очень четко взаимодополняя друг друга. Движение, радость, бесстрашный герой, эстетическое удовольствие, словом, острое ощущение того, что театр – это действительно праздник.  

Спектакли, привезенные на форум стоило посмотреть уже для того, чтобы проникнуться верой в сегодня театра и его завтра. Молодые режиссеры идут в ногу со временем, в их работах чувствуется не только творческая одаренность, но своеобразное мышление и желание экспериментировать.

Следует отметить, что работы молодых режиссеров отсматривало авторитетное жюри, в которое входили именитейшие режиссеры и театроведы. Кроме трех призовых мест, в конкурсной программе разыгрывалось право участия в Московском Международном театральном фестивале им. А. Чехова. По итогам форума эта честь  вместе с I премией выпала на долю спектакля «Офис» Екатерины Аверковой из Беларуси. Почетные «серебро» и «бронзу» разделили спектакли «Пилигрим»  Карлиса Круминьша (Латвия) и «Полет над городом» Нарине Григорян (Армения). Молодые критики, участвовавшие в работе форума, учредили собственный приз и назвали номинацию «За тревогу о современном театре. Этой награды удостоился за спектакль «Телефонная книга»  Видас Барейкис из Литвы.Кроме спектаклей молодых режиссеров программа форума предполагала мастер-классы для режиссеров и сценографов, круглые столы – для молодых критиков, а так же workshop-ы для драматургов и опять же режиссеров. Все это было направлено на расширение международного общения, обмен профессиональным опытом, понимание и обсуждение проблем современного театра, обретение профессионализма благодаря общению с признанными мастерами.

 

Рузанна АРАКЕЛЯН

Ереван – Кишинев - Ереван